logo
Гаврилова Л

Жанровые и композиционные особенности трагедии

вук трубы оповещал зрителей о начале представления. ВПрологеповествовалось о том, что зрителям предстоит увидеть. Музыкант, играющий на авлосе, выходил вместе с хором и обычно стоял на виду у всех, сопровождая своей игрой действие. Хор выступал наорхестре(площадка для пляски) – полукруглой формы. Обычно хор делился на два полухория,60и выходил на орхестру через правый или левыйпарод (боковой вход). Хор пел в унисон под аккомпанемент авлоса. Каждая его песня сопровождалась мимическим танцем, соответствующим характеру каждой конкретной сценической ситуации. Песня, с которой хор появлялся на орхестре, называласьпарод; завершающая песня хора, с которой он покидал орхестру, именоваласьэксод.Промежуточные песни-пляски хора называлисьстасимы («стоячие», «неподвижные» песни). Они включали в себястрофу(танцующий хор перемещался в одну сторону) иантистрофу(двигался в противоположную сторону) иэпод(неподвижное состояние хора, завершающее стасимы). Стасимы чередовались сэписодиями – диалогами и монологами актеров. Разделы, где выстраивался диалог актеров с хором, именовалиськоммос.

Таким образом, основными композиционными компонентами трагедии являются:

ПРОЛОГ - ПАРОД – ЭПИСОДИИ - СТАСИМЫ – КОММОС - ЭКСОД

Всего в античной трагедии было три актера61(в театре выступали только мужчины), однако действующих лиц было значительно больше. Каждый актер играл несколько ролей. Все основные роли исполнял протагонист (греч. prōtagōnistēs: prōtos - первый, agōnistēs - актер) – главный актер. Его назначал архонт. Второго (девтерагонист - греч. deuterāgonistēs: deuteros – второй, āgonistēs - актер) и третьего (тритагонист - греч. tritagōnistēs: tritos – третий, agōnistēs - актер) набирал себе сам протагонист.

Актеры выступали на скене(лат. Scena, греч. skēnē - шатер, палатка), появившейся в 458 году до н.э., – дощатой постройке с тремя дверями, куда актеры уходили переодеваться. Постепенно скена превратилась в декорацию. Использовались в постановках и различного рода театральные машины, для создания всевозможных эффектов. Неотъемлемой частью костюма актеров были маски. Это было обусловлено значительными размерами греческих театров – афинский театр, например, вмещал 17000 зрителей. Маски были яркими и цветными (изготавливались из дерева или полотна) и позволяли различать героев и их состояния даже на самых дальних рядах. Белая маска означала, что перед зрителями женщина, темная – мужчина. Психологическое состояние также подчеркивалось цветом маски: багровый – злоба и раздражительность, рыжий – хитрость, желтый - болезнь. Помимо этого, маски изготавливались с изображением веселого либо печального лица, гневного либо испуганного и пр. Маска покрывала голову полностью. Постепенно из весьма условных по внешнему виду форм, они стали обретать черты психологически более точных и выразительных. На ногах у актеров была специальная обувь на толстой многослойной подошве, удлиняющей рост – эмбаты (в Риме назывались котурнами и достигали 20 см). Одеты актеры были в хитоны – свободные со складками одежды, но короткие: пурпурные – у царей, белые – у цариц, клетчатые – у прорицателей.

По своей сущности античный театр представлял собой синкретическое явление. В нем в органичном единстве сосуществовали поэзия, музыка и танец. Это соответствовало архаическим представлениям греков, воплотившимся в понятии триединая хорея – единстве трех экспрессивных видов искусств (в отличие от конструктивных, куда входили архитектура, скульптура и живопись). Художественный образ создавался выразительными средствами всех трех искусств. Поэтому актеры не только декламировали свои монологи и диалоги, но, как и хор, пели. Большую роль играла не только живописность поз и жестов, а также постановка голоса и дикция, обучению которым уделялось большое внимание. Не случайно к середине 5 века до н.э. мастерство актеров настолько выросло, что с 449 года до н.э. стали проводиться и состязания актеров.